CORSO TRIENNALE

Creazione scenica vuol dire generare un’azione. E’ la massima espressione dell’attore-autore che compie delle scelte per dar vita al qui e ora. Attraverso l’improvvisazione, l’interprete utilizza il testo come pre-testo per mettere insieme gli elementi scenici modificando la prospettiva, regalando un diverso punto di vista allo spettatore. Il percorso creato sarà sempre nuovo e diverso, e sarà inoltre necessario utilizzare tutti gli strumenti umani, recitativi e tecnici per poter realizzare una nuova visione che sappia essere efficace.
L’artificio scenico dell’attore è il mezzo più potente per creare e condividere. Il creatore prima dell’interprete. Essere autori di se stessi.
Il cuore pulsante di ogni atto performativo è il cuore stesso, inteso come sentimento vivo e vibrante. La ricerca dentro se stessi di un sentimento autentico, incanalato in un’immagine performativa vivida e precisa, sarà il punto focale del lavoro svolto insieme.
Creare è un allenamento costante, un’educazione all’ascolto di se stessi, degli altri, di ciò che accade nell’atto performativo in ogni suo aspetto. Come attori e come attrici è fondamentale sapersi escludere per fare ciò che è necessario alla scena.

In 7 anni di esperienza come insegnante, stabile, per gli studenti attori di AMA, ho incontrato gruppi di studenti molto diversi tra loro e anche lavorato in luoghi e condizioni differenti. Ho così avuto modo di sperimentare diversi approcci all’insegnamento della danza in questo specifico contesto e di farmi un ‘idea di ciò di cui i nostri studenti avrebbero bisogno nella loro formazione e di ciò che io sono in grado di fornire loro.

Finora ho avuto la possibilità di gestire le mie ore secondo i criteri che meglio credevo si adattassero alla situazione (che essendo sempre diversa imponeva anche diversi obiettivi e/o diverse soluzioni).

Nelle mie lezioni alterno proposte tecniche atte a migliorare la condizione fisica, le abilità cinetiche e la consapevolezza corporea degli studenti a proposte basate sulla mia esperienza in scena e volte ad aiutare gli studenti a diventare esseri scenici più consapevoli. Capaci quindi di scavare nell’intimo per dare profondità alle loro azioni, capaci di attingere alla loro creatività e usarla a loro piacimento. Perché sono convinta che solo partendo dal corpo sia possibile imparare la differenza tra imitare ed essere.

Questo accadeva sempre nello spazio ristretto che avevo a disposizione e quasi in totale indipendenza dal resto del programma di studi.

Oggi, dopo tanti anni di prove e tentativi, ciò che abbiamo a lungo sognato, ovvero la possibilità di offrire un percorso di studi che ci vede coinvolti quotidianamente, sembra concretizzarsi, e io non potrei esserne più felice.

Alla luce della nuova sfida che abbiamo davanti e al fine di riuscire ad organizzare e amalgamare al meglio la proposta formativa totale del triennio AMA ci è stato giustamente chiesto di riflettere su come pensiamo sia meglio organizzare le nostre ore anno per anno.

Ho pensato alla mia proposta riflettendo su diversi aspetti: la richiesta di Franco al nostro colloquio, le necessità degli alunni per ottenere il massimo dei risultati, l’esperienza accumulata ad AMA in tutti questi anni e, ovviamente, la mia esperienza diretta con la formazione accademica.

RIFLESSIONI GENERALI RISPETTO ALLE MIE COMPETENZE

Come ho già ribadito tante volte ritengo sia di fondamentale importanza per gli alunni poter studiare con me in modo assiduo e costante nel tempo, la mia disciplina ha bisogno di un tempo preciso per permettere ai corpi di assimilare i concetti, formare e allungare i muscoli e allenare la fisicità degli attori.

Ritengo inoltre doveroso fare una distinzione tra le diverse materie di cui mi occupo e che in questi anni ho proposto in modo più o meno organizzato ma sicuramente autonomo.

1. Il training tecnico: basato sulle tecniche di danza contemporanea in cui sono laureata: release e floorwork
2. Il training di improvvisazione e composizione: fondamentale per sperimentare e scoprire la propria fisicità e creatività nel movimento e imparare ad usare le nozioni apprese a lezione per dare corpo ai personaggi e forza al proprio essere scenico e anche saper creare delle partiture fisiche.

AMA fino ad oggi è stata una scuola in cui si offriva a ragazzi, con poca o nessuna esperienza, la possibilità di studiare con ottimi professionisti della scena, spesso per prepararsi ad accedere a studi accademici, qualche volta per iniziare un percorso professionale.

La qualità degli studenti negli anni è mano mano migliorata e l’età media notevolmente scesa ma ho constatato che hanno tutti dei tratti in comune:

• poca consapevolezza delle loro possibilità e di cosa voglia dire essere in scena
• poca o nessuna nozione riguardo la storia delle arti performative contemporanee e di ciò che accade nel mondo del teatro al presente.

Quando mi è stato possibile ho quindi anche fatto spazio a momenti di teoria in modo da dar loro la possibilità di contestualizzare ciò che fanno o che vedono e avere delle ‘coordinate di orientamento’ importanti per capire cosa vogliono fare e cosa non vogliono fare in scena.

Fin qui le proposte da me fatte ai miei studenti di AMA in questi ultimi 6 anni.

Oggi facciamo un passo in più verso la creazione di una vera a propria accademia, questo comporta sicuramente un maggiore impegno da parte di tutti noi affinché la proposta formativa sia più completa possibile e anche la consapevolezza che bisognerà alzare l’asticella della qualità e dell’impegno richiesti agli studenti per accedere ad AMA.

Credo fermamente che lo studio della danza sia imprescindibile per la formazione di un attore.

Espressività fisica e sapiente uso del corpo in movimento costituiscono le fondamenta della tecnica attoriale.

E’ solo grazie all’espressività corporea se una persona o un testo in scena risultano più o meno credibili. (il corpo non mente mai!)

Lo studio della danza fornisce agli attori la possibilità di acquisire piena consapevolezza del loro essere in scena. Li aiuta a trovare il modo di essere veri e credibili in ciò che fanno, a dare corpo e spessore ai personaggi che interpretano. PERCHÈ?

• Studiare danza allena ad essere più vigili mentalmente, più concentrati e meno tesi. Qualità importantissime per il lavoro sul palco e anche per affrontare le selezioni e i provini che sono una costante durante tutta la carriera.
• Inoltre imparare sequenze di movimento e combinazioni coreografiche impegnative aumenta le capacità cognitive e di apprendimento, quindi la capacità di apprendere testi.
• Un training fisico quotidiano è importantissimo per chiunque calchi il palcoscenico. Disciplina, rispetto ( del proprio corpo, del corpo altrui, dello spazio, del lavoro o del pubblico), consapevolezza dello spazio e del movimento, concentrazione, presenza scenica, comunicazione, motivazione, auto sufficienza, connessione cervello-corpo, miglioramento della memoria e dell’equilibrio, e una crescente consapevolezza cinestetica sono tra i tanti altri benefici dello studio della danza.
• Un corpo forte, flessibile e privo di tensioni ti dà sicurezza e questo negli allievi si traduce in una maggiore fiducia nella loro capacità di esprimere i propri personaggi.
• Più un attore è agile e reattivo e più sarà in grado di usare la propria immaginazione ed espressività.
• Infine fare pratica con la composizione coreografica sviluppa la creatività.

Per tutti questi motivi credo sia di non poca importanza dare molto spazio al lavoro fisico nella formazione di AMA.

Chiudo con un ultima riflessione: questo mestiere si impara soprattutto facendolo, inoltre non esiste un attore a cui non sia richiesto di essere anche attivamente coinvolto nel processo di creazione e capace di improvvisare e proporre soluzioni.

Credo sia dunque molto importante tener conto anche di questo nel formare gli studenti, abituandoli a calcare le scene, spingendoli a pensare con i loro corpi e le loro teste e dando loro gli strumenti per attingere alla propria creatività.

Da qui la convinzione siano fondamentali le lezioni aperte, i saggi e i momenti dedicati alla messa in scena di lavori creati dagli studenti.

IL TEATRO È UNA QUESTIONE DI COSCIENZA per quello che dico, perché avrà una ricaduta su chi ascolta e perché è importante avere coscienza di quello che dico, per poterlo comunicare a un’altra persona e questa possa capirlo. Partiamo dalla consapevolezza e poi ci attacchiamo la tecnica, per evitare che quest’ultima si trovi a esprimere un senso incomprensibile, perché incompreso.

• IL TEATRO È UNA QUESTIONE DI PERSONALITÀ non dimentichiamo noi stessi.
• IL LAVORO COME OBIETTIVO lavorare tutti i giorni e senza risparmiarsi.
• ATTITUDINE COME ATTEGGIAMENTO FONDAMENTALE PER CAMBIARE LE SORTI DEL PROPRIO VIAGGIO essere sempre in prima linea.
• L’ASCOLTO COME METODO ascoltare con tutto il corpo e usare solo le parole “che servono”.
• LE DOMANDE COME OSSESSIONE è l’unico modo per approfondire.
• LA RIPETIZIONE CONSAPEVOLE DELLE PRATICHE non pensare che l’esercizio fatto esaurisca l’apprendimento. Ripetere, ripetere, ripetere.
• SCRIVERE IL VOSTRO LIBRO DEL PERCORSO appuntare tutto.
• L’ATTORE E LA STORIA COME UNICO STRUMENTO partire dalla comunicazione più elementare e poi aggiungere il resto, su un impianto forte e già efficace.
• UNICITÁ DELLA PROPRIA MACCHINA ATTORIALE scoprire i miei difetti che sono gli angoli interessanti del mio modo di comunicare.
• LO SGUARDO SU QUELLO CHE MI CIRCONDA che non è fuori da me. È uno dei primi modi per costruire nuove creature, “i personaggi”.
• TENERE PRESENTE CHE UNA COMPONENTE IMPORTANTE È ANCHE L’UNICITÀ DI OGNI PERCORSO FORMATIVO, LEGATO ALL’ESPERIENZA UNICA DI UN ARTISTA. Il segreto è fare sintesi tra tutti gli incontri.
• LAVORARE INSIEME – IL RACCONTO INIZIA DA QUI. Creare comunità
• AVERE E PORTARE IL PROPRIO BAGAGLIO: monologo, dialogo, poesia, canzoni, le vostre conoscenze come persone, quello che avete letto, visto, cinema, libri, teatro. Sono le materie prime da dove estrarre gli ingredienti per fare “la torta”.

MACROAREE DI LAVORO

I 5 SENSI COME STRUMENTI PER IL LAVORO – SVILUPPARLI COME I SUPEREROI

I PRINCIPI SU CUI LAVOREREMO:

IL MIO CORPO esplorare le azioni dal piccolo al grande
LA MIA VOCE la sua radice
TESTO esercizio di lettura e di scrittura
LO SPAZIO SCENICO dove tutto accade
LE DOMANDE DA PORSI SEMPRE QUANDO AFFRONTO UNA NUOVA CREATURA E
IL SUO MONDO
CHI SONO?
DOVE SONO?
COSA VOGLIO DIRE?
A CHI LO VOGLIO DIRE?
PERCHÉ LO VOGLIO DIRE?

GLI ELEMENTI DA ESPLORARE PER COMPORRE LA MESSINSCENA

1. IO CREATURA dal neutro al personaggio
2. LA NUOVA COMUNITÁ – CONOSCENZA INTIMA – IL NOI NELLO SPAZIO
3. GLI OGGETTI
4. IL COSTUME
5. LA LUCE
6. LA MUSICA
7. LA SCENA

LE MODALITÁ DELLA MESSINSCENA

1. IL MONOLOGO
2. IL DIALOGO
3. LA LETTURA POETICA
4. LA CANZONE
5. LA CORALITÁ
6. RELAZIONE DEGLI ELEMENTI IN ELENCO

LO SPETTACOLO

LA MESSINSCENA

Una corretta pronuncia non può prescindere dalla consapevolezza vocale di noi stessi. Da questa certezza, il programma triennale si svolgerà con queste modalità:

• I anno
  -anatomia dell’apparato vocale
  – respirazione intercostale-diaframmatica
  – articolazione
  – analisi della voce parlata
  – regole della fonetica italiana
  – primo studio del testo e del sottotesto
• II anno
  – cenni storici sulla pronuncia della lingua italiana
  – fisiologia vocale
  – analisi vocale                                                                                                                         – timbro e volumi del suono nella parola
  – ritmo e suono della parola drammaturgica
• III annualità
  – respirazione intercostale diaframmatica
  – dizione poetica
  – la parola drammaturgica
  – comunicazione verbale
  – testo e sottotesto

Voci D’Aria

Scoprire la voce come estensione del proprio corpo, della propria anima. Emozionarsi coi suoni scoprendoli e ricercandoli nelle molteplici gradazioni di colore possibili. Tutto parte dal silenzio, dalla capacità dell’ascolto come possibilità di creare un incontro con gli altri. Il canto è una comunicazione armoniosa. Si parte da un lavoro fisico di base costruito attorno a semplici esercizi di respirazione, emissione, ritmo e armonia, per arrivare ad un lavoro individuale e di gruppo su intenzioni ed espressività attraverso semplici canti della tradizione popolare, italiani e internazionali e a piccoli testi poetici di autori contemporanei.

La tipologia di lavoro che intendo svolgere in questo triennio sarà basato su un percorso propedeutico, questione fondamentale per una preparazione attoriale adeguata.

Quello che intendo svolgere in questo triennio sarà una “ricerca”, affiancata, ovviamente, da una linea guida ben precisa.

Il lavoro sarà diviso in 4 blocchi: Mimesi, Rapporti, Metrica, Testi.

• Mimesi: basilare per comprendere un esempio, un modello, che poi, naturalmente, sarà il personaggio che vogliamo costruire.
• Rapporti: si entra nella fase “cruciale” della recitazione.
  – Che cos’e’ un rapporto?
  – Come costruirlo?
  – Che cos’è un’intenzione?
  – Iniziare a farsi le domande “giuste” per costruire il proprio personaggio e mettersi al servizio della storia; quest’ultima rappresenta, ed è sempre,la principale protagonista.
  Nel “campo” dei rapporti (non inteso solamente come rapporto con l’altro/a, ma in generale a 360°) è racchiusa gran parte della recitazione.
  In questa fase sarà anche fondamentale il cosiddetto “Palleggio”, esercizio che ho avuto la fortuna di ereditare dal Teatro Stabile di Genova e da, a mio modesto parere, una delle più importanti insegnanti di recitazione degli ultimi anni.
  Dunque, da come si è capito, a questa fase sarà dedicata gran parte del lavoro.
• Metrica: una menzione speciale la dedicherei a questo argomento, in questo caso si entra in una questione specificatamente tecnica.
  Comprendere la metrica, a mio avviso, significa capire meglio le intenzioni e di conseguenza il saper “dire” le battute attraverso un processo naturale.
  Metabolizzate queste prime tre fasi del lavoro, si conclude con lo stare in scena.
• Testi: Si analizzerà il passato, la tradizione, i testi classici e i suoi personaggi insieme a quelli contemporanei.
  – Perché ancora oggi raccontiamo il passato (Shakespeare, Moliere ecc.)
  – Questi personaggi hanno, ancora oggi, qualcosa da dirci? o sono solo figli di una tradizione che portiamo avanti non perchè sia utile ma solo perché ci comanda?
  – Il passato è come un padre o una madre, ci orientano e ci fanno risolvere le questioni del presente?

Insomma ci sarà, da parte mia, la “presuntuosa” volontà di far abbracciare Classico e Contemporaneo.

Dall’idea alla sceneggiatura. Gli step della scrittura cinematografica: idea, soggetto, scaletta, sceneggiatura. 
L’idea: come nasce, come capire se è valida, come svilupparla.
L’importanza della semplicità, la difficoltà della semplicità.
Il soggetto: come si scrive, come si riscrive. La trama e il personaggio. 
La scaletta: come scrivere una scaletta funzionale, come metterla alla prova.
Ultimo passo: la sceneggiatura. E le sue molteplici riscritture.
Esempi e analisi dei vari step.
La scena. Di quali parti è composta. Come interagiscono il verbale e il visivo all’interno della scena. Perché è importante conoscere a fondo il personaggio per scrivere una buona scena. 

Scrittura della scheda di un personaggio: chi è, da dove viene, come parla, quali sono i suoi desideri e le sue paure. 
Analisi di una scena muta. Analisi di una scena dialogata. 
Prove di scrittura di una scena e discussione collettiva.
Visione e analisi di un cortometraggio. 
Stesura di una scaletta desunta. Entrare nella struttura di un’opera esistente per capirne il funzionamento. Perché sono state fatte quelle scelte? Se ne potevano fare altre? Discussione delle idee e loro sviluppo. 
Prove di stesura di una scaletta alternativa dell’opera visionata e discussione collettiva. 

Lavorare sulle tecniche attoriali e con le maschere della commedia dell’arte è fondamentale non solo per recitare bene un testo come ‘ Arlecchino servitore di due padroni’ di Carlo Goldoni ma anche altri testi di stampo psicologico come quelli di Cechov: verso l’interpretazione di entrambi gli autori i partecipanti si eserciteranno guidati da uno degli attori più completi della scena teatrale italiana.
Il linguaggio preciso e la tecnica rigorosa, tipici della commedia dell’arte, mettono nelle condizioni l’attore di esprimersi chiaramente, di trasmettere al pubblico il pensiero del personaggio e anche di improvvisare e giocare in scena senza rischiare di diventare banale o di abbassare il livello del testo recitato.

Cinque giorni di teatro comico e musicale. Cinque giorni “a scuola” da Maria Cassi, grande attrice considerata dalla stampa internazionale l’alter ego di Charlie Chaplin, Jerry Lewis e Jacques Tati.

A dirigere il workshop Maria Cassi, l’attrice che da anni incanta il pubblico francese e americano con i suoi spettacoli. Insieme al suo compagno, Fabio Picchi, gran maestro di cucina, nel 2003 ha inaugurato a Firenze il “Teatro del sale”.

Leonardo Brizzi, musicista e compositore dal respiro internazionale, oltre che attore, autore e regista, sarà al fianco di Cassi per dirigere il workshop.

Brizzi si colloca tra i capiscuola e fondatori del filone della musica in scena nel teatro comico, dotato di un forte senso teatrale ed umoristico, teatralizza la musica, rendendo i musicisti dei veri e propri attori, protagonisti di comicità.

In questo workshop si esplora il proprio sentire per far sì che il gesto diventi novella, racconto, incontro, unione e diversità e ancora musica, canto, liricità e poesia, dove il ridere possa diventare grimaldello per aperture sconosciute e profonde.

“L’attore è un atleta del cuore”. Questo diceva il grande Antonin Artaud.

Infatti la nostra deve essere anche e soprattutto una ginnastica sentimentale ed emotiva. Il gesto teatrale possiede in se l’arte di comunicare non solo a coloro che assistono,ma anche al cuore e all’anima dell’artista che lo sta facendo.

Solo attraverso un onesto e profondo “studio” sulle proprie emozioni si diventa capaci di comunicare emozione. Solo attraverso il nostro corpo che vibra per una parola detta si può accendere una luce drammaturgica gestuale e musicale che permette all’attore di parlare e raccontare di creare unioni e condivisioni indispensabili alla vita umana. Il Teatro come mezzo di crescita emotiva e culturale e soprattutto interiore. In questi incontri si esplora il proprio sentire per far si che il gesto diventi novella, racconto,incontro,unione e diversità e ancora musica canto liricità e poesia dove il ridere possa diventare grimaldello per aperture sconosciute e profonde”.

WORKSHOP DI TEATRO FISICO CON PIOTR CHOLODZINSKI

“L’attore è autore” è un corso di formazione per allievi teatrali nel quale, attraverso l’utilizzo di  tecniche attoriali e autoriali si affrontano e analizzano le tre fasi fondamentali del processo teatrale:  la scrittura scenica, la composizione registica e la recitazione. L’obiettivo è infatti quello di scardinare  il luogo comune presente molto spesso nella testa di chi si approccia all’arte teatrale secondo cui ogni  fase della creazione sia scissa dal resto e secondo cui l’attore debba occuparsi soltanto della  recitazione.  

Il corso proposto dalla compagnia Berardi Casolari prevede invece un lavoro totale sul processo  creativo, che include e cerca di tenere insieme tutte le varie fasi della creazione: dalla parte di  ideazione fino al tentativo di realizzazione della stessa. Il punto di partenza è quello della scrittura e  del testo, che unito all’azione teatrale dà vita a un’immagine e quindi alla scena. In questo caso l’attore  è l’elemento cardine di questo processo creativo, che non può prescindere da nessuna di queste fasi:  dalla scrittura scenica e improvvisazione scrittoria alla scrittura verbale e all’uso del corpo come  improvvisazione coreografica.  

Il percorso si sviluppa, dunque, attraverso le dinamiche del fare teatro e prende spunto dal percorso  personale di ciascun partecipante: da quello che siamo, dalla voce e dal corpo che abbiamo, da come  parliamo e ci muoviamo, dai nostri personali vissuti e da ciò che ci colpisce della realtà che ci  circonda. 

L’obiettivo è lavorare sull’idea che diviene materiale scenico: su come una parola, una sensazione o  un’esperienza personale possano essere trasposti sulla scena, facendo perno sulla consapevolezza che  raccontare se stessi può essere il punto di partenza per raccontare il mondo e, al contempo, raccontare  la realtà che ci circonda può divenire il pretesto per raccontarsi e conoscersi meglio.

Partendo da suggestioni personali e attraverso l’utilizzo di varie tecniche teatrali, si arriverà alla  realizzazione di frammenti scenici (monologhi/dialoghi), considerabili come vero e proprio materiale  utile per la messa in scena. 

Si concentra sullo spazio teatrale inteso come memoria e sui luoghi specifici che animano l’immaginazione dell’artista. Luoghi reali (o costruiti sul palcoscenico), ricordi d’infanzia, spazi di rinascita, che trovano espressione nell’arte di Tadeusz Kantor come protesta contro il tempo che passa e contro la violenza. Ciò che implicavano con forza era anche il fallimento, che Kantor percepiva come elemento necessario per la rinascita: un’opera d’arte deve affrontare il fallimento e la sconfitta per rinascere e aprirsi alla crescita.
E’ un lavoro anche sullo spazio dell’attore come opera d’arte. Lo spazio della biografia come opera d’arte.